Fotograma de Viridiana, obra maestra del cine de los años 60.

Clásico fascista con guión de Franco

LA CENSURA EN ESPAÑA.

El sueño de los justos.

(La dictadura que duró más de treinta años)

En el año 1969 se estrenó 99 Mujeres:

Las divertidas sexopatías de Jesús Franco proyectadas en los cines del ruedo ibérico.
Lesbianas sádicas que incordian al resto de presas. Voluntariosas mujeres empeñadas en enseñar epidermis a las camaradas.

Nada falta en la película: prostitutas adictas, déspotas...

El contraste era una cándida trabajadora de beneficiencia, vilipendiada por las "retorcidas" mentes de las reclusas.

En fín, todo muy triste; ya que mientras 99 Mujeres se paseaba por las pantallas, VIRIDIANA, BELLE DE JOUR, BLOW UP, LA DOLCE VITA, y muchas películas de Godard, Bergman, Bellochio, Visconti, por citar a algunos directores, dormían el sueño de los justos.

Nuestra censura fue una auténtica dama-perra, tremendamente desconcertante. Pero lo más grave fue la consecuencia lógica de la dictadura: la castración moral e intelectual de millones de personas, frustrando la vida a varias generaciones arrojadas a unos tiempos de fascismo frailuno y pandereta.

"Las pelis son muy raras: tienes que pensar mientras las ves". Britney Spears. 2003.

EL DIA DEL REVÉS

(La liberación absoluta)

El mundo al revés y Pickpocket.

Recordemos el diálogo entre el comisario y el ladrón puesto en escena por Robert Bresson (Pickpocket, 1959).

EL COMISARIO: "En suma, ¿Una especie de ladrón útil, beneficioso? Pero, querido señor, es el mundo al revés".

EL CARTERISTA: "Ya que está al revés, así podemos enderezarlo".

The School (Walerian Borowczyk)

Ritual in transfigured time, Maya Deren, 1946

LA VANGUARDIA NORTEAMERICANA.- (1ª parte)

La historia del cinema indie estadounidense se remonta al rodaje en 1943 de “Meshes of the afternoon” de Maya Deren y Alexander Hammid.
Después le siguieron K. Anger, Stan Brakhage y muchos otros.

Eran filmes que representaban una búsqueda de identidad en el contexto cultural norteamericano y se situaban en las antípodas de la industria cinematográfica hollywoodiense.

Existen connotaciones surrealistas cercanas al cine europeo (Delluc o Buñuel), pero se advierte una profundización de tipo psicológico donde la problemática personal se sitúa en un primer plano y el problema de la sexualidad también se plantea desde diversos planteamientos discursivos. La primera época representa los años de búsqueda y estabilización (década de los 40 e inicios de los 50).

La gran industria del cine reestructura su producción por miedo a una crisis. La sombra del Mccarthysmo vigila los nuevos enfoques de producción y se empieza a recoger la herencia europea de un cine neorrealista. Quizá la situación psicológica (fin de una guerra mundial) del país sea clave para el despertar del cine independiente norteamericano.

Esta independencia se traduce en el plano estético y en las formas para estructurar los filmes.
Otra característica es la simultaneidad de funciones, lo que significa un mayor control sobre el producto y el reforzamiento ideológico del autor.

En la primera etapa no existía un conglomerado o grupo que definiera los principios básicos de su actuación; se reducía a unas cuantas individualidades. Se trabajaba en los sótanos del gran edificio cinematográfico. La técnica, basada probablemente en soporte 16 mm, adolecía de unos costes altos. A veces, eran productos poco elaborados y rigurosos, aunque todo era suplido por la intuición de los autores.

En los años 50 surge, de forma dispersa, un grupo nuevo de directores:
Willard, Maas, Broughton, Clarke y Mekas (el verdadero aglutinador de todos ellos).
Éste último, Jonas Mekas, fundó la revista “Film Culture” y la distribuidora de películas independientes “Film Makers Cooperative”. También fue un aclamado crítico de cine experimental.
A través de Mekas y por invitación del productor Lewis Allen, en septiembre de 1960, se reunieron 24 directores “indies” de Nueva York y crean el movimiento llamado “New American Cinema”. En la reunión se encuentran:

Lionel Rogosin, Shirley Clarke, Robert Frank, Gregory Markopoulos, Bert Stern…

El resultado fue la creación de un manifiesto que rechazaba las interferencias de los productores, la censura y las políticas vigentes de distribución y exhibición. El manifiesto sentó las bases de una cooperativa.
Esta organización (The Group), canalizó sus ideas en la revista Film Culture.

La Jetée.Chris Marker.(1963)

El inicio de esta gran obra maestra.
Acaba de editarse en España un fabuloso pack de contenidos imprescindibles: varias obras de Chris Marker y adaptaciones consentidas de autores vanguardistas y discípulos como Isasi Lakuesta.
Mi compra del mes.El pack está editado por Intermedio.

Bad - M. Scorsese (Michael Jackson)

¿Cine? ¿video musical? Sin duda es el mejor videoclip de la historia.
El debate sobre la inclusión de este pequeño género en un blog de cine comenzará pronto. ¿Dónde están los límites? ¿Es solo un producto mercantil para promocionar?
¿Es esto un videoclip de autor?
¿La nouvelle vague del videoclip?
¿El Shadows de los videos musicales?
POLEMICA.
Gondry vino del video, lo mismo que Martin Ritt de la televisión.
DEBATE.

Mask of Sarnath

Película de terror dirigida por Neil Ruttenberg. (1981)
La banda sonora fue realizada por THROBBING GRISTLE!!!

Iván Zulueta

Para el programa musical y artístico de los años 60. Experimento en formato "videoclip" del más maldito de nuestros directores.
¡Arrebatador!

Repo Man

Postnowave film

BLADE RUNNER

Reaparece por muy escaso tiempo una nueva y espectacular edición (limitada) formato maletín y todo lo existente sobre esta obra maestra postmodernista.
Este film no lo rodó Ridley, ni tampoco Alien y Los Duelistas. Solo lo sabe la CIA. Este director es demasiado mediocre para realizar esta trilogía de la calidad.

Pas de Deux pt1

Pas de Deux pt deux

Neighbours-Norman McLaren (1952)

La semilla del diablo (1968)

¿Apología de la maternidad?

El nadador (1968)

PISCINAS Y DERROTAS.

Tema admirable y punzante.
El protagonista surge de la nada, como ausente de la realidad, y decide recorrer, nadando, el camino a casa. Bajo la brillante superficie de su personalidad se observan detalles inquietantes. La "hazaña" deportiva se revelará como un calvario físico y moral.
Cuanto más se acerca al final del recorrido, más difícil será el contacto con las personas. Descubriremos al nadador como un hombre perdido que busca inútilmente los fantasmas de un pasado en el que ha sido superficial e hipócrita.
Antaño seductor y brillante, tiempo después, débil y masacrado por sus vecinos.
El protagonista ni siquiera puede mantener la ficción de su felicidad porque le arrancarán la máscara que oculta su vacío.
El nadador es un film que muestra la sensación de una espantosa derrota..
La piedad es excluida de los personajes, pero se halla en la forma misma del relato, sobre todo cuando la cámara aisla al personaje, se hunde en sus ojos y explora la lejanía de algunos de sus sueños imprecisos.

Burt Lancaster reunió las condiciones físicas y el talento necesarios para crear ese patético nadador marcado inexorablemente por el destino.

Viva la Muerte (1971)

Fernando Arrabal, fundador del grupo "PANICO" junto a Alejandro Jodorowsky, utiliza el surrealismo y el simbolismo como arma político-fantástica al servicio del cine.
Al igual que Buñuel, sublima constantemente sus obsesiones personales.
Arrabal representa el cine de la crueldad y de los delirios autopsicoanalíticos e hipersurrealistas.
Otro ejemplo fílmico es (refleja su obsesión por la guerra civil española)la película-pánico
"L´arbre de Guernika" (1975).

Themroc (1973)

Michel Piccoli es, en esta película, un obrero pintor que decide, en pleno siglo xx, volver a las cavernas, por lo que convierte su propia casa en una de ellas, y sale por la ventana para ir a cazar.
Su acto crea rápidamente adeptos entre sus vecinos, con lo cual su postura se vuelve sumamente peligrosa para la continuidad del orden establecido.

Johnny cogió su fusil-¿Cine de terror?

¿Cine antibelicista?
¿O cine pacifista?
Más bien lo primero, pero sin obviar la "expansión" intercontextual del género bélico hacia el de terror, que provoca esta obra de Dalton Trumbo, famoso guionista defenestrado por la caza de brujas de mccarthy.
Ésta, fue su primera obra firmada sin pseudónimo tras su exilio en México malviviendo como vendedor de guiones a otros compañeros de profesión (esto es recreado en la película de Martin Ritt "La tapadera").
Durante un época, más que un retorno general de los héroes maléficos, el cine de terror o fantástico manifestó una clara y acusada tendencia hacia el terror producido por amenazas, si no cotidianas, al menos pausibles dentro de la angustiosa lógica de nuestros días (la época del imperialismo). Johnny cogió su fusil (Johnny got his gun - 1971)
otorga a través de la situación pesadillesca del inválido grotesco (posible compañero de los/nuestros extravagantes amigos de Tod Browning)y terrible de esta obra antibelicista, una denuncia ideológica de la guerra desde una dimensión fuera de lo común, propiamente extraordinaria.
Tanto sus sueños como los recuerdos aparecen y son diferenciados por el director, a través del color. La realidad, el (su)presente real está rodado en un riguroso blanco y negro de denuncia, mientras que los recuerdos y los sueños-deseos del protagonista se reflejan ante el espectador en color.
La posibilidad y la consecuencia lógica de lo que produce una guerra supera y desplaza lo cotidiano que en este caso son los monstruos que en aquella década de los 70 eran ridiculizados o banalizados a través de toda una serie de remakes de serie Z.
Lo verdaderamente monstruoso era la representación de la confrontación bélica en un trozo de carne pensante, y no en un "bicho" raro del espacio o saliente de la tumba (zombies).
El mutante-monstruo cotidiano, con capacidad posiblemente de convertirse en realidad, genera más miedo y pánico en la sociedad, que la distracción de unos monstruos guiñolescos de barraca y feria para niños y adolescentes.

La gran comilona -¿cine de terror?

Terrible suicidio apocalíptico diseñado por Marco Ferreri. Film del año 1972 en el que la autodestrucción a través de la comida y el sexo resulta más angustiosa que la imagen de un individuo descuartizando a sus semejantes con una sierra, porque está más enraizada en la naturaleza y la conciencia del individuo más civilizado y equilibrado.